谢赫“六法”究竟是哪六条？
当我们谈论中国画的传统审美，总会提到“谢赫六法”——这套诞生于南朝的理论，像一把钥匙，打开了中国绘画的核心密码。可不少人只闻其名，未必说得清它具体包含哪六条。其实，谢赫在《古画品录》里写的这六句话，每一句都紧扣绘画的本质，至今仍是评判中国画的重要标准。
第一条是“气韵生动”。这是六法的灵魂，讲的是画面要透出“生命力”。比如画一个人，不是画得五官像就行，要画出他的精神——是悠然的隐士，还是愤懑的文人，眼神、姿态里得有“气”在流动；画山水，不是堆几块石头、描几棵树，要让山有起伏的气势，水有灵动的韵味，连云都要像在呼吸。没有“气韵”，画就成了死的标本。
第二条是“骨法用笔”。这里的“骨”指的是线条的力度。中国画靠线条造型，就像写书法要讲笔力——画人物的衣褶，线条要像钢丝一样挺拔，或是像流水一样舒展；画花鸟的枝干，要写出“折钗股”“屋漏痕”的质感——不是描出来的，是“写”出来的。笔锋的轻重、转折、快慢，都藏着画家的功夫：笔力弱了，线条软塌塌的，画就没了“骨架”；笔力稳了，线条像刀刻在纸上，画才立得起来。
第三条是“应物象形”。简单说就是“像”——画什么得像什么。画花要像花的形态，画鸟要像鸟的结构，画山水要自然的规律。比如画梅花，花瓣是五片，不能画成六片；画竹子，竹节是中空的，不能画得臃肿。但这“像”不是照相式的复制，是“得其神似”的像——比如齐白石画虾，虾的须子比真虾长，可那透明的质感、游动的姿态，比真虾还“像”虾。
第四条是“随类赋彩”。“类”是物体的类别，“彩”是颜色的运用。比如画树叶，草本的叶用嫩绿，木本的叶用深绿；画花朵，牡丹用艳红，菊花用浅黄；画石头，青灰、赭石是常用色，不会涂成粉色——颜色要跟着物体的“类”走。但这不是刻板的：秋天的树叶会变黄，冬天的山会染雪，颜色可以变，但得“类”的本质——比如枫叶红得热烈，是因为它属于“秋天的树”，不会红得像火焰山。
第五条是“经营位置”。就是画面的构图。比如画一幅山水，主体是山峰，得放在画面的黄金分割点，旁边配几棵树、一条小路，让视线有地方“走”；画人物画，主角要突出，配角要谦让，不会把关的东西堆在。谢赫说的“经营”，是“用心安排”——比如范宽的《溪山行旅图》，大山占了画面三分之二，下面留一小块空地画行旅的人，对比之下，山更雄奇，人更渺小，这就是“位置”的巧思。
第六条是“传移模写”。就是临摹。谢赫认为，学画要先学古人——临摹前人的好作品，学他们的用笔、用色、构图。比如初学者画兰草，要临文徵明的兰；画山水，要临董源的《潇湘图》。不是抄样子，是“传”前人的方法，“移”到自己的笔下。就像学写要临碑帖，画的功夫，先从“模写”里来。
这六条，从精神到技法，从造型到色彩，从构图到学习方法，把绘画的各个环节都覆盖了。没有玄乎的空话，每一条都落在画画的具体事上——谢赫没讲“要创新”“要个性”，可把这六件事做好了，画自然有了自己的灵魂。
说到底，谢赫六法不是束缚，是“及格线”：过了这六条，才算是懂了中国画的“规矩”；而破了这六条的人，往往是把规矩烂熟于心后，再开出新的花。直到今天，我们看一幅中国画好不好，还是会不自觉地用这六条去量——这就是传统的力量，早把审美刻进了我们的骨子里。